Andrea De Luigi, es una artista visual argentina con una larga carrera profesional dedicada a la pintura y la experimentación del color y las texturas. Psicóloga y artista, fue discípula de maestros como Kenneth Kemble y Guillermo Roux. Además de dedicarse a la producción artística desde 1995, dirige y enseña en el estudio/escuela de arte que fundó en 2015, De Luigi es candidata al M.F.A en Pintura, Arte Contemporáneo y Crítica de Arte de la universidad de SCAD (Savannah College of Art and Design), marco en el que estará inaugurando la muestra individual Impermanencia el 30 de septiembre en el Museo Lucy Mattos.
En su producción artística De Luigi crea
composiciones desplegadas en cantidades diversas de capas a lo largo y ancho de
lienzos y papel de grandes dimensiones, donde entrelaza pintura, grabado y
collage, con un evidente expertise en el manejo de las texturas. Su capacidad para entender el color y su reacción en las distintas superficies, sumado a
un minucioso nivel de detalle, hace de cada obra una experiencia en sí misma
que vale la pena explorar, y, es justo en este punto, cuando se planta con gran
presencia la profunda conceptualización de su trabajo, de su búsqueda y
reflexión.
En esta entrevista exclusiva recorremos el mundo de
la artista detrás de Impermanencia, la poderosa muestra que nos sumerge en un
viaje a través de su mirada singular sobre la vida y la
transformación: una composición visual poética que aborda la mutabilidad, la
constante evolución y el tiempo como elementos que condicionan la existencia, y que
obligan transitarla entre la necesidad de estar en armonía con la consciencia y
el terror que genera su devenir.
Cuando era chica, mi mamá trabajaba como artista plástica y crítica de arte, de modo que estuve en contacto con el dibujo, la pintura, los libros de arte y las exposiciones. Aunque hace muchos años que no desarrolla actividad artística, sigue vinculada al mundo del arte a través de mi trabajo.
¿Cómo podrías definir tu recorrido en este ámbito?
Siempre me gustó mucho dibujar y pintar, y tenía facilidad. Cuando tuve que elegir una carrera para seguir en la universidad, elegí la Psicología, porque sentía que el arte era algo tan natural y esencial en mí, que no era un “trabajo”. Sin embargo, a los pocos años de recibirme y de trabajar como psicóloga decidí dejarlo y dedicarme exclusivamente a la pintura, ya que es lo que en realidad me apasiona y disfruto más, como artista y como docente de arte.
¿De qué manera incorporás y qué lugar tiene el color
en tu proceso creativo?, ¿qué otros elementos son parte de tu producción
artística?
El color fue lo más importante en mi obra durante
muchos años. Más importante incluso que las formas y las ideas. Eso fue
cambiando gradualmente, y en los últimos años las ideas detrás de las obras
cobraron mucha relevancia para mí. El color fue cambiando, haciéndose menos
saturado y vibrante. Actualmente, a pesar de que todavía me gusta jugar con el
color en algunas obras, muchas de mis obras son monocromas o con paleta
reducida.
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Actualmente, existe la constante de que las figuras se funden con el fondo -que generalmente alude a la naturaleza- con transparencias o unidad tonal, en referencia a lo transitorio de nuestra vida y a nuestra finitud: desaparecemos en lo natural.
Andrea De Luigi, Adam
and Eve, trace monotype, relief and collage on paper, 200 x 90 cm, 2021.
¿Cómo explicarías la estética en tu propuesta
conceptual y en la técnica?
El arte contemporáneo no es necesariamente “bello”. Sin embargo, en mi obra hay una búsqueda de una cierta armonía, ya sea en las formas o en el color, en las texturas o en la composición. Ese equilibrio o armonía también los busco en la combinación de materiales y técnicas, incluso a veces usando elementos opuestos en una misma obra, como la dureza de la madera con la fragilidad del papel.
¿Cuál considerás que es la mayor influencia
artística-conceptual que influye en tu trabajo artístico?
Mi obra tiene sus raíces en el arte moderno,
fundamentalmente en el cubismo y en el futurismo: la fragmentación de la
imagen, las perspectivas múltiples, la repetición rítmica de líneas y formas.
Muchas de esas características siguen presentes, aunque transformadas, en mis
obras, especialmente en mis cuadros sobre tela.
Del arte contemporáneo tomé lo ecléctico, la combinación de materiales, estilos, épocas. Artistas como Wangechi Mutu, Kiki Smith, Shazia Sikander, quienes expresan sus ideas de múltiples maneras, en diferentes medios -pintura, escultura, instalaciones- con diferentes técnicas que me interesan: pintura, grabado y collage, influyen fuertemente en mi obra. Conceptualmente, las ideas de Martín Heidegger sobre el ser en el mundo, sobre la ansiedad frente a la muerte, la importancia del pensamiento y la conciencia para entrar en comunión/armonía con el mundo.
Durante tu trayectoria has podido ahondar en
distintas temáticas, paisajes, ciudades, naturaleza, ¿cómo recordás la
transición entre temáticas y procesos?
Por mucho tiempo pinté sobre tela con acrílicos u
óleos. Pasé por distintos temas: naturaleza, urbanos, animales. El tema no era
importante, solo importaban las formas y los colores. En los últimos años mi trabajo experimentó un
cambio, ya que, el concepto empezó a ser importante. Apareció la figura humana,
incorporé la combinación de técnicas y de materiales y las ideas pasaron a
tener mucho más peso: la idea del cambio, de las transformaciones que sufrimos
a lo largo del tiempo -en nuestro cuerpo, en nuestras relaciones, en nuestro lugares
habituales- y la idea de finitud, son expresadas de diferentes maneras,
técnicas, etc.
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¿Cuál considerás que ha sido tu aporte más significativo con toda la experimentación de tus obras?
Creo que me animo a probar cosas, a combinar y explorar diferentes técnicas y materiales. A experimentar en tamaños grandes. En última instancia, creo que mi aporte es crear algo personal y auténtico.
¿De qué manera sentís que se comunican tus obras con el espectador?, y a su vez, ¿cómo te gustaría que cada espectador se acerque a tu obra y a tu labor artística?
Me gustaría que mi obra transmita algo a quien la está mirando y que no los deje indiferentes. Mis obras hablan de nuestra humanidad, de nuestro ser en el mundo, de nuestra transitoriedad y finitud. Temas con los que todos nos podemos relacionar, todos experimentamos y transitamos esos sentimientos. Espero que las personas que visiten mi próxima muestra puedan tomarse el tiempo para interpretar y sentir lo que muestro en cada obra que formará parte de Impermanencia.
¿Cuál es la proyección de tu producción artística
inmediata y a futuro?
En cuanto a mi producción, seguiré creando y explorando técnicas y materiales. Experimentar con diferentes tipos de esculturas e instalaciones, continuar mi búsqueda con slow motion animation y video. Pienso seguir estudiando y participando en residencias de artistas. Seguir explorando espacios con galerías en Argentina y en el exterior.
Mi muestra “Impermanencia” reúne una selección de obras realizadas a lo largo de los últimos tres años en una maestría en Pintura, Arte Contemporáneo y Crítica de Arte de la universidad de SCAD. Esta muestra es la culminación de ese posgrado y de la tesis. Impermanencia reúne 16 obras que incluyen instalaciones, esculturas, ensamblajes y pinturas sobre tela, madera y papel.
Cada obra tiene su propia narrativa pero el común denominador de la muestra es el ser humano en íntimo contacto con la naturaleza, inmerso en ella, lo trascendente y lo transitorio en nuestras vidas y nuestra finitud. Sin embargo, mis obras no ponen énfasis en la muerte, sino que son una celebración de la vida.
Andrea De Luigi nos brinda una visión artística cautivadora de la vida en constante cambio. Su obra nos invita a habitar Impermanencia, abrazarla y encontrar significado en ella. Es un llamado a reflexionar sobre nuestras vidas en constante cambio y a encontrar belleza del tiempo y la transformación.
Impermanencia.
La complejidad de nuestras vidas en
constante cambio.
Inauguración: 30 de septiembre de 2023 | 18 h
Museo Lucy Mattos: Av. Libertador 17.426. Beccar, Buenos Aires. Argentina.
Se podrá visitar los jueves, viernes, sábados y domingo de 10 a 18 h desde el 30 de septiembre hasta el 29 de octubre de 2023.
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